本展は、国立新美術館と、アジアの現代視覚文化を発信する香港のM+（エムプラス）が初めて協働して企画した展覧会です。1989年から2010年までの約20年間という、政治、経済、社会がダイナミックに変化した時代に、日本でどのような美術が生まれ、世界に発信されたのかを、国内外50組を超えるアーティストの多彩な実践からたどります。
※掲載画像は全て「時代のプリズム：日本で生まれた美術表現 1989-2010」国立新美術館　2025年　展示風景

ヤノベケンジは自作の黄色い防護服を着てチェルノブイリを訪れ、《アトムスーツ・プロジェクト》シリーズ（1997）を制作。かつて起きた原子力発電所の事故によって立ち入り禁止となった地域の保育園で撮影した写真など、SFのような光景を通して、科学技術の進歩がもたらす未来像に疑問を投げかけました。

会田誠は屏風に無数の人々を描いた《美しい旗(戦争画RETURNS)》（1995）で、戦争というテーマに正面から向き合いました。

「ポストコロニアル理論」とは、植民地支配がもたらした文化的・社会的影響を批判的に分析し、歴史を新たな視点で読み直す考え方です。

下道基行は、サイパンや台湾などに、日本の植民地時代の遺構として残る鳥居などを撮影し、写真というメディアを通して歴史の痕跡を可視化します。

米田知子の《Japanese House》（2010）は、台湾に残る日本統治時代の家屋をとらえ、障子や畳といった日本の特徴と、住人が加えた変更が混在する様子から、文化が交錯する東アジアの複雑な歴史を静かに物語っています。

沖縄出身の照屋勇賢の 《結い、You-I》は、沖縄の伝統的な紅型染の着物に、米軍のパラシュート兵やジュゴンといったモチーフを描き、沖縄の歴史と現在を象徴的に表現しています。

照屋勇賢 《結い、You-I》 2002　森美術館、東京

同様に、沖縄を拠点に活動する高嶺格は、挑発的なストップモーションアニメ《God Bless America》（2002年、東京国立近代美術館）で、米軍の影響力に焦点を合わせました。

このほか、近年のナショナリズム的な戦争映画への応答として制作された、小泉明郎の《若き侍の肖像》（2009年、作家蔵）も、多様な歴史との向き合い方を示しています。

グローバル化が本格的に進む中で、アーティストたちはジェンダーや国籍、文化といった、これまで確固たるものとされてきたアイデンティティの問題に、さまざまな角度から向き合いました。

韓国のアーティスト、イ・ブルは、触手や手足の付いた赤い布製のコスチュームを身にまとって空港や都内を歩くパフォーマンス《受難への遺憾―私はピクニックをしている子犬だと思う？》（1990）で、自由な動きを阻む社会の規範や、女性をとりまく障壁と格闘する切実さを表現しました。

西山美なコは、少女マンガのようなピンクの室内を再現した《ザ・ピんくはうす》（1991/2006）で、ピンク色が持つ少女らしさと卑猥さという多層的な意味合いから、ジェンダーを強く喚起させます。

福田美蘭や森村泰昌は、西洋の名画を独自の視点で再解釈する作品を手がけました。

ほかにも、アメリカのアーティスト、ジョーン・ジョナスが、北九州での滞在制作中に「月のうさぎ」伝説に着想を得て制作した《2匹の月のうさぎ》（2010）や、オランダのアーティスト、フィオナ・タンの《人々の声 東京》（2007）が、一般の日本人が撮影した約300枚のスナップ写真を集めて展示したインスタレーション、オーストリアのフランツ・ヴェストが日本の素材を用いて家具を制作した《耳栓》（1994）など、日本というプラットフォームで多様な文化が交錯する様子を見ることができます。

日系ブラジル人の大岩オスカールは、現代美術が美術館に収蔵され、さらに途方もない時間が経過した未来の様子を描いた作品を制作しました。

大岩オスカール 《古代美術館》 1995　豊田市美術館

「コミュニティの持つ未来」では、人々や社会との新たな関係性を模索するプロジェクトに光をあてます。

小沢剛の《ベジタブル・ウェポン－さんまのつみれ鍋／東京》（2001）は、野菜で作った武器を手にした人々をを写したユーモラスな写真作品です。
同じく小沢の牛乳箱をギャラリーに見立てた〈なすび画廊〉（1993〜1995）は、既存の制度の外で発表の場を自ら作り出す、オルタナティヴな精神を象徴するプロジェクトです。

ほかにも、島袋道浩が言葉の通じないブラジルの吟遊詩人に自身の映像作品の解釈を依頼した《ヘペンチスタのぺネイラ・エ・ソンニャドールにタコの作品のリミックスをお願いした》（2006）や、同じく島袋が犬たちによる水泳大会を企画した《スウォンジー・ジャック・メモリアル・ドッグ・スウィミング・コンペティション》（2003）など、ユニークな発想で新たな繋がりを生み出す試みが並びます。

曽根裕の《19番目の彼女の足》（1993年）は、19人が協力しないと進まない連結自転車の作品。他者とのコミュニケーションの可能性と不可能性を可視化する、リレーショナルなアートの代表例です。

海外のアーティストも、地域との関わりから作品を生み出しています。
タイ出身のナウィン・ラワンチャイクンは、福岡のタクシー運転手の人生をもとに街の歴史を紐解く《博多ドライヴ・イン》（1998/2003、作家蔵 ）で、コミュニティを原動力とする新たなアートの形を示しました

日本、中国、韓国のアーティストによるコレクティヴ「西京人（シージンメン）」は、《第3章 ようこそ西京に⸺西京オリンピック》（2008）で、架空の都市を舞台に国家の枠組みを超えた協働を試みます。

会期中には、出品作家によるアーティスト・トークやシンポジウムなどの関連イベントも複数予定されています。9月13日（土）には、森村泰昌、風間サチコ、西京人（小沢剛、ギムホンソック）らが出演するリレー形式のアーティスト・トーク、11月7日（金）にはシンポジウムが開催されます。最新の情報は美術館のウェブサイトで確認できます。

展覧会タイトル「時代のプリズム」には、この時代の美術表現が、外からの光を多様な色に分解するプリズムのように、社会や時代の動きを映し出すという意味が込められています。

社会が大きく揺れ動いた時代をアーティストたちはどのように表現したのでしょうか。
彼らの眼差しを通して、激動の20年間を見つめ直してみませんか。